«En amour comme en art, la constance est tout. Je ne sais pas s’il y a un coup de foudre ou une intuition surnaturelle. Je sais qu’il y a une constance, une consistance, un sérieux, une durée… Je pense que quand, dans cent, deux cents ans, ils voudront comprendre ce que nous étions, c’est grâce à la musique de film qu’ils le découvriront.» – Ennio Morricone
Ennio Morricone, l’un des plus grands compositeurs de films de tous les temps, sera sans aucun doute pleuré par des millions de personnes dans le monde entier. Ses thèmes émotionnels, évocateurs et colorés ont donné vie à d’innombrables films au cours d’une carrière musicale prolifique et unique de plus de 70 ans. Le maestro est décédé lundi à Rome, à 91 ans, des suites de blessures subies lors d’une chute.
Morricone a composé les musiques de 70 films primés. Plus de 70 millions d’enregistrements de sa musique avaient été vendus en 2016. Il a d’abord été identifié en particulier aux films de Sergio Leone, mais il a finalement travaillé avec de nombreux autres réalisateurs, dont Pier Paolo Pasolini, Gillo Pontecorvo, Marco Bellocchio, Dario Argento, Don Siegel, John Boorman, Terrence Malick, Samuel Fuller, Roman Polanski, Pedro Almodóvar, Margarethe von Trotta, Barry Levinson, Mike Nichols, Oliver Stone, Warren Beatty et bien d’autres.
Ennio Morricone, 2007 (photo credit–Olivier Strecker)
On peut affirmer que la mort de Morricone met fin à l’âge d’or de la musique du cinéma italien. Parmi ses nombreux honneurs et réalisations, on peut citer l’Academy Honorary Award en 2007 (décerné à deux compositeurs seulement depuis 1928), six nominations aux Oscars et une victoire (en 2016), trois Grammy Awards, trois Golden Globes, six BAFTA, onze Nastro d’Argento (prix annuel du cinéma italien), dix David di Donatello (autre prix annuel du cinéma italien), le Golden Lion Honorary Award (Festival du film de Venise), le Polar Music Prize (prix suédois de musique internationale) et deux European Film Awards.
La musique de Morricone est ancrée dans la conscience d’un public mondial. Elle a accompagné et ponctué la vie et les expériences de générations entières, depuis les lendemains de la Seconde Guerre mondiale jusqu’au jour de sa mort. En tant que telle, elle était en même temps le produit d’une période historique au cours de laquelle le cinéma italien a produit des œuvres importantes.
Né à Rome en 1928 à l’époque du fascisme mussolinien, Morricone a atteint sa maturité musicale à une époque où les cinéastes italiens définissaient et développaient une nouvelle tendance: le néoréalisme. À partir du milieu des années 1940, des réalisateurs tels que Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Vittorio De Sica et Giuseppe De Santis ont accordé une place importante à la classe ouvrière et aux pauvres.
La sensibilité humanitaire est devenue une nécessité artistique après deux décennies d’horreur fasciste et de guerre impérialiste. Cette qualité a eu un impact profond sur la conscience créative du compositeur et se retrouve au cœur de ses mélodies, qui révèlent la propre empathie de Morricone pour l’humanité.
La créativité de Morricone s’étend largement de la musique de film à la musique classique et populaire. À partir de 1946, il a écrit d’importantes pièces classiques contemporaines, dont quatre concertos, un opéra et de nombreuses compositions de chambre et de chœur. Il ne fait aucun doute que ses compétences techniques étaient remarquables. En fin de compte, il a composé plus de 100 pièces classiques.
Bulworth (1998)
Cependant, ses compositions classiques n’ont jamais atteint le niveau de popularité et de reconnaissance que sa musique de film et sa musique populaire ont atteint, à sa grande déception. Morricone, comme un certain nombre d’autres compositeurs qui ont obtenu un immense succès dans le domaine de la musique populaire – on pense à Leonard Bernstein – s’est senti obligé de démontrer qu’il pouvait produire des œuvres que les critiques musicaux accepteraient comme de la «musique sérieuse». Le problème auquel Morricone (et Bernstein) était confronté était que les qualités mêmes qui rendaient leur musique si populaire – une empathie émotionnelle intense qui trouvait une magnifique expression mélodique – n’étaient d’aucun intérêt pour les critiques de formation académique. Ainsi, la musique «sérieuse» de Morricone (comme celle de Bernstein), bien que techniquement brillante, était bien accueillie par les critiques mais manquait de la voix distinctive qui séduisait des millions de personnes.
Il y a un autre problème. L’inspiration se présente sous différentes formes et les arts visuels (le cinéma en particulier) peuvent certainement être une grande source d’inspiration. En l’absence d’un tel stimulus, un compositeur peut souvent avoir du mal à trouver une narration pleinement inspirante. En d’autres termes, musicalement et émotionnellement, commenter un film peut être une tâche plus agréable pour certains que de donner une expression musicale à une réalité conçue de façon plus abstraite. Cela n’enlève cependant rien aux réalisations de Morricone dans le domaine de la musique de film. Plus brillamment que ses plus grands contemporains (Nino Rota et Elmer Bernstein), il a su développer des matériaux thématiques et des idées mélodiques qui captent l’essence émotionnelle d’une situation dramatique présentée visuellement.
La première musique de film du maestro a été celle du film de Luciano Salce intitulé Mission ultra-secrète (Il Federale), en 1961. Ce fut le début de son entreprise artistique couronnée de succès. Morricone a finalement pu compter à son actif plus de 500 oeuvres de cinéma et de télévision, un chiffre qui met en évidence un autre aspect de son talent: son étonnante productivité.
La mélodie a toujours été la caractéristique la plus marquante de ses compositions. On est souvent frappé, dans la musique de Morricone, par sa «voix», cette voix (ou son) caractéristique de Morricone qui a la capacité unique de puiser dans une sensibilité universelle. En fait, son don pour les thèmes et les motifs (Pour une poignée de dollars, Le Bon, la Brute et le Truand) a souvent fait des expériences cinématographiques décentes, voire médiocres, de grandes expériences, au point que la musique transcende les films et que le public s’en souvient souvent par la trame sonore.
Sans aucun doute, la collaboration de Morricone avec Leone, le légendaire réalisateur du western italien, a été un tournant dans sa carrière et a contribué à produire une série de films de renommée internationale. La «Trilogie des dollars» – Pour une poignée de dollars (1964), Pour quelques dollars de plus (1966) et Le bon, la brute et le truand (1966) – et Il était une fois dans l’Ouest (1968) ont défini le genre et ont atteint une énorme popularité. Un élément distinctif était la musique et l’utilisation d’instruments uniques, dont le sifflet humain.
Cinéma Paradiso (1988)
En fait, la puissance du talent de Morricone ne se limite pas à la profondeur de ses compositions, mais s’exprime aussi dans les couleurs, la polyvalence et même l’élément comique qu’elles apportent. Il y a beaucoup d’humour, d’ironie et de pathos dans ses motifs occidentaux, qui ont eu la capacité d’élever les films à petit budget au niveau de la reconnaissance mondiale. En effet, il n’est pas rare que les compositeurs soient à leur meilleur dans des conditions où l’argent est rare.
La collaboration avec Leone a duré jusqu’à la mort du réalisateur en 1989. Leur dernier projet commun a été Once Upon A Time In America (1984), dont le thème et la bande sonore créent une représentation sonore unique et mémorable d’une période complexe de l’histoire des États-Unis.
Comme indiqué plus haut, Morricone a développé d’importantes collaborations artistiques avec d’autres cinéastes éminents, dont Bernardo Bertolucci, Pasolini, Pontecorvo et Sergio Corbucci. Certains de ces films contiennent beaucoup de commentaires politiques ou sociaux, comme Before The Revolution (1964) et 1900 (1976) de Bertolucci, The Hawks And The Sparrows (1966) de Pasolini, La bataille d’Alger (1966) historique de Pontecorvo et Sacco And Vanzetti (1971) de Giuliano Montaldo.
Bien que Morricone soit resté délibérément en dehors de la sphère de la politique progressiste et qu’il ait soutenu les démocrates-chrétiens (plus tard le Parti démocrate), il ne fait aucun doute que l’atmosphère sociale des années 60 et 70, en particulier parmi les couches artistiques, a eu un impact substantiel sur sa sensibilité créative.
Sa capacité musicale et intellectuelle de compassion, de compréhension et d’empathie pour les autres n’était pas principalement le produit de sa foi religieuse, mais résultait dans une large mesure des changements dans les relations sociales et de ses propres associations artistiques développées pendant plusieurs décennies explosives, caractérisées par des luttes de masse et des conflits sociaux.
En 2016, dans une interview accordée au Corriere della Sera, il a reconnu cette influence: «Je n’ai jamais été communiste ou socialiste… Le cinéma italien était entièrement de gauche… Avec Sergio Leone, nous n’avons jamais discuté de politique, mais Duck, You Sucker ! est un film politique sur le terrorisme et la révolution».
Quelles que soient ses opinions politiques, son génie artistique avait un large attrait international. Par le langage de la musique, par une succession thématique de notes (mélodie), leur relation (harmonie) et les intervalles de temps (rythme), il était capable de communiquer avec le grand public. De plus, ses connaissances musicologiques lui permettaient d’exprimer des émotions profondes par l’utilisation d’instruments ethniques ou nationaux.
La bataille d’Alger me vient certainement à l’esprit, dans la partition de laquelle les sons du tabla, du qraqeb [un instrument ressemblant à une castagne] et du chant d’un muezzin sont utilisés pour souligner le conflit entre les masses opprimées d’Algériens et l’armée coloniale française. Le résultat est un sentiment de tension intense.
À partir des années 1970, l’association de Morricone avec les films hollywoodiens s’est progressivement renforcée. L’un de ses talents remarquables est sa capacité à composer dans un large éventail de genres: film d’art (Days Of Heaven, 1978), d’horreur (Exorcist II, 1977), de drame historique (The Mission, 1986) et de crime (The Untouchables, 1987).
Certaines de ses oeuvres étaient si puissantes que plusieurs d’entre elles ont été transformées en chansons populaires. C’est le cas de «Gabriel’s Oboe»dans The Mission, enregistré sous forme de chanson par Sarah Brightman, ainsi que par Il Divo, Jackie Evancho et The Tenors, pour n’en citer que quelques-uns.
Il était une fois dans l’Ouest (1968)
Mais la puissance de la bande-son de The Mission (sélectionnée pour un Oscar), comme dans tous les autres cas, ne réside pas seulement dans le thème. Le contexte historique complexe du film, le conflit entre l’Espagne et le Portugal en Amérique latine, le sort et la souffrance des indigènes guaranis et le rôle perfide des jésuites ont accablé Morricone.
Il a d’abord hésité à accepter la commande, surtout après une première projection, et l’insistance du producteur Fernando Ghia pour qu’il y ait «un engagement social. Nous fournissons un divertissement, mais nous devons aussi fournir des éléments de réflexion». La partition que Morricone a écrite de façon magistrale respectait non seulement les souhaits du producteur, mais elle crée un cadre musical sensible à une période historique qui exigeait une énorme compréhension de la souffrance humaine. En 2013, l’Australian Broadcasting Corporation a classé la partition au premier rang de son classement des Classic 100 Music in the Movies.
De même, le thème de Cinéma Paradiso (1988), un film de Giuseppe Tornatore, un autre proche collaborateur de Morricone, a été transformé en chanson et enregistré par des artistes comme Josh Groban, Andrea Bocelli, Katherine Jenkins et d’autres.
En 2016, il a remporté un Academy Award pour The Hateful Eight de Quentin Tarantino. C’est peut-être le cas le plus frappant dans lequel la musique a rendu un mauvais film quelque peu tolérable. L’utilisation par Morricone d’instruments de bois ajoute de la classe et des couleurs que Tarantino n’a jamais eues.
Un talent extraordinaire comme celui d’Ennio Morricone ne peut se résumer à une seule nécrologie, et trop de merveilleuses bandes sonores ne sont pas créditées ou même mentionnées ici de manière appropriée. Cet auteur espère que ceux qui connaissent moins bien son énorme contribution à l’univers du cinéma et de la musique seront incités à se familiariser avec l’œuvre de ce compositeur hors pair.
Marc Wells
Article paru en anglais, WSWS, le 8 juillet 2020
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